Céramique à Way's Mills 2025
Expo-vente
Amélie B. Céramiste explore la céramique avec une approche ouverte et multidisciplinaire, utilisant le façonnage, le tournage et le moulage pour créer des pièces utilitaires destinées aux arts de la table et à la maison. Elle intègre également l’enseignement du tournage et du façonnage à sa pratique, ce qui enrichit ses compétences et contribue à la transmission des métiers d’art. Son travail naît d’un besoin de créer avec ses mains et de traduire en volumes les émotions inspirées par la nature. Le toucher, la matière et les détails sensoriels sont au cœur de ses créations. Soucieuse de l’environnement, elle cherche activement à réduire son empreinte écologique et développe actuellement une collection à partir d’argiles recyclées issues de sa production.
Fabrica Ateleia est une marque à petite échelle, qui se définit par la recherche et le travail d’une seule artiste. Puisant son inspiration dans la nature, plus précisément dans les cours d’eau avec leurs galets de rivière poncés aux couleurs souvent surprenantes, Fabrica Ateleia vise à offrir un art de la table laissant libre court à l’imagination du client. Avec ses lignes et formes disponibles autant en version classique qu’organique, et avec un vaste choix d’émaux assortis, le client peut se créer un ensemble complètement personnalisé et à son image. Les possibilités sont nombreuses et permettent ainsi une tablée unique de style « mix & match »
Catherine de Abreu est une artiste céramiste engagée, animée par un profond désir de communiquer à travers ses créations. Nourrie par une curiosité infatigable et des questionnements constants, sa pratique est marquée par une approche sensible et consciente. Son parcours à l’Université Concordia, d’abord en estampe et en peinture, influence encore ses pièces actuelles, notamment par l’intégration d’éléments graphiques. Catherine crée des objets d’art de la table qui unissent fonction et expression artistique. Ses œuvres contemporaines incarnent ses valeurs personnelles et une vision du monde à la fois empathique et revendicatrice. Portée par une conscience environnementale croissante, elle explore des liens profonds avec la nature et l’environnement, tout en valorisant le savoir-faire artisanal et le dialogue avec l’autre.
Dans sa pratique, Célia Widemann cherche à marier le beau et l’utile, le fonctionnel et le décoratif, créant des pièces qui invitent à la contemplation. Elle combine ses passions pour le textile et la céramique via pochoirs, gravures traditionnelles et à l’eau, ainsi que des étampes inspirées de l’impression textile. Ses motifs simples et poétiques s’inscrivent sur des fonds texturés, avec une palette douce, donnant une dimension tactile et esthétique à chaque objet. Son univers s’inspire des souvenirs d’enfance, notamment des jardins de ses grands-mères, qu’elle réinterprète avec nostalgie et poésie dans sa première collection « Première cueillette ». Chaque pièce, unique, invite à « cueillir » un fragment de ce monde imaginaire pour embellir le quotidien.
Sous le nom Pas Mon Style, l’artiste Christina Julien crée des pièces utilitaires au style avant-gardiste et minimaliste. Chaque pièce est tournée à la main, en petites séries, et lancée en collections saisonnières. Principalement en grès, elle expérimente différentes argiles et émaux, privilégiant une palette en noir et blanc. Pas Mon Style explore les formes et notre relation aux objets, avec des formes arrondies, des spirales au fond des pots et des empreintes de pouce sur les tasses, rappelant le processus de la céramique et de la vie. Tasses, bols et assiettes sont conçus pour être mixés, créant des ensembles uniques. Le nom reflète son approche ludique, entre fonction et jeu, inspirée par la philosophie et l’art Fluxus. L’artiste anime aussi des ateliers pour rendre la céramique accessible et inspirante à tous.
Eve m Laliberté explore diverses méthodes, privilégiant le coulage et l’assemblage de pièces moulées pour créer objets utilitaires et décoratifs. Son travail intègre aussi l’enseignement, favorisant le partage et le renouvellement de la pratique céramique. En 2023, elle s’est tournée vers la pièce unique et l’installation, explorant les thèmes des racines, de l’appartenance et de l’environnement, notamment la forêt. Son identité artistique mêle rondeur, couleur et codes graphiques issus de son parcours en design. Elle conjugue rigueur et désinvolture, ordre et chaos, impulsivité et réflexion. Inspirée par les aquarelles japonaises, l’art nouveau, le design industriel et la forêt, elle crée des formes harmonieuses où le cercle joue un rôle visuel central, alliant matière brute et décoration organique dans un équilibre subtil.
Evelyne Rivest crée principalement des pièces uniques ou de petites séries en porcelaine, majoritairement utilitaires mais très ouvragées, avec des cuissons au gaz ou électrique. Elle pratique aussi le Raku, plus restreint en quantité mais tout aussi artistique et exclusif. Son métier lui procure une intensité particulière, une aventure imprévisible où la surprise est toujours présente. À travers ses décors minutieux de feuilles, fleurs, branches et oiseaux, riches en gravures et en couleurs, Evelyne recherche l’équilibre et l’harmonie. La fluidité du geste est pour elle la source essentielle de plaisir créatif, donnant vie à des pièces où détails et émotion se conjuguent pour capturer la beauté de la nature avec délicatesse.
Fabienne Synnott travaille le grès et la porcelaine, tournés, façonnés ou sculptés, en pièces uniques ou petites séries. Ses cuissons sont surtout en réduction au gaz, parfois au bois. Elle traite chaque pièce comme une composition vivante, où la terre garde sa trace. Inspirée par la nature et le « primitif », elle aime jouer avec les matériaux et laisser la matière s’exprimer, en provoquant la transmutation par la flamme. Fabienne combine sculpture, gravure et peinture, cherchant un geste fluide qui laisse parler l’outil. Elle tourne souvent des formes de base qu’elle transforme ou assemble, créant textures et contrastes entre surfaces émaillées et terres nues. Travailler en équipe avec son four est pour elle une danse qui donne vie à ses pièces, véritables portails vers l’intérieur de soi.
Jennifer Tannahill explore différentes techniques de façonnage à la main et au tour en les mariant à ses cuissons électriques à cône 6. Elle aime laisser visibles les marques de fabrication, tout en adoucissant les formes pour qu’elles soient agréables à manipuler. Elle recherche une perfection impossible qui l’amène à travailler lentement et avec précision, créant des lignes droites et des surfaces délicates tout en acceptant la beauté imparfaite du fait main. Elle affectionne particulièrement les vases en porcelaine ornés de fleurs dessinées au crayon sous-glaçure, qui rappellent pour elle des esquisses au fusain sur papier froissé. Ses pièces évoquent la fragilité de la vie et la nostalgie. Elles confrontent la permanence de la céramique à l’éphémère des fleurs, invitant l’usager à savourer l’instant présent.
Joan Scott travaille à le grès et la porcelaine, en combinant le tournage et le façonnage. Ses pièces sont cuites à haute température, tant en four électrique qu’au bois. Sa pratique est nourrie par la paix et la nature, qui alimentent son énergie créative. Sa pratique évolue en cycles de production qui alternent entre sculpture et pièces utilitaires, souvent réalisées en solitaire pendant de longues périodes. Ce besoin d’isolement est contrebalancé par les cuissons au four à bois, moments de collaboration et de partage avec une communauté de céramistes. Elle apprécie ce travail collectif qui permet de poursuivre des objectifs communs et d’enrichir son processus créatif par l’échange et l’entraide.
Céramiste depuis 50 ans, José Drouin crée des pièces utilitaires et décoratives uniques où le feu joue un rôle central. Travaillant l’argile à Mont-Saint-Hilaire avec les techniques du raku et de la cuisson au gaz à cône 10, elle s’amuse à explorer le hasard et l’incontrôlable dans ses cuissons. Ses œuvres naissent d’un équilibre entre entre maîtrise et surprise, rendant chaque cuisson unique. Fascinée par l’inattendu, elle considère chaque surprise comme une source d’inspiration.
Le travail de Julie Lavoie gravite autour de la fabrication d’objets utilitaires pour les arts de la table et du thé, principalement cuits au four à bois à haute température. La cuisson au bois, technique ancestrale, guide ses créations en liant tradition et modernité. Julie développe sa signature visuelle avec des cuissons au bois, un processus exigeant physiquement et techniquement. Elle privilégie les teintes naturelles et les formes épurées pour que la matière et les effets de cuisson expriment leur propre langage. Les objets du quotidien, l’argile, l’eau, le feu, la forêt, le végétal, le minéral, et le passage du temps sont des éléments intégrants de sa démarche artistique.
Justine St-Amour travaille l’argile par tournage et façonnage, en juxtaposant la matière brute, texturée, à des décors inspirés des couleurs naturelles de la terre et de l’eau. Elle recherche un équilibre apaisant qui crée une atmosphère unique. Les pièces tournées sont facettées et craquelées dans la masse, tandis que les pièces façonnées reçoivent des plaques craquelées superposées. Certaines sont laissées lisses pour laisser place à des décors qui rappellent des cartes au trésor. Justine travaille de façon intuitive, guidée par la matière, le rythme et le mouvement. Inspirée par la musique et la nature, elle cherche à transmettre une émotion par la texture et la richesse des décors, et valorise l’empreinte de la main, créant ainsi la parfaite imperfection.
Lucie Bories façonne sous le nom de bisou celeri des pots inspirés par les formes des légumes et des fruits qu’elle récolte et consomme. À chaque saison, elle sélectionne les végétaux comestibles qui deviennent des moules éphémères pour ses pièces : poivrons, courges, céleris se transforment en gobelets, bols, assiettes ou saladiers. Le contenant tire sa forme du contenu, créant un dialogue entre ce qui nourrit et ce qui accueille. Les pièces sont laissées nues à l’extérieur, polies à la pierre, et partiellement émaillées à l’intérieur, valorisant la texture de la terre. Inspirée par la lenteur des gestes et le respect du vivant, Lucie cherche à rendre hommage au travail des fermier·ère·s et à souligner l’importance de nos liens avec la terre nourricière.
Depuis l'enfance, la terre est le matériau de prédilection de Marie Serreau. En 2000, elle retrouve la terre à Montréal et suit une formation de céramiste à l'Institut européen des arts céramiques en France en 2002. Après ses études, elle voyage et collabore avec des céramistes dans plusieurs pays, enrichissant ainsi sa réflexion artistique. Installée entre la France et le Québec, elle s’est spécialisée dans la faïence, qu’elle apprécie pour sa souplesse, sa couleur et son histoire. Marie tourne finement ses pièces pour le confort des lèvres, et se laisse guider spontanément par le pinceau, peignant à l’engobe bleu ou noir avant de graver pour affiner le décor. Chaque pièce est unique tout en appartenant à une même famille. Elle crée aussi de petites sculptures racontant des histoires inspirées de contes et de mémoires d’enfance.
Dans son atelier de Sutton, Marie-France Labrosse travaille la porcelaine et le grès, surtout par tournage. Sa technique d’émaillage, inspirée de l’aquarelle, lui permet de créer des effets de couleurs douces et mouvantes. Ses pièces sont cuites au four électrique, à cône 6. Inspirée par la nature et la recherche d’un équilibre entre les contraires, elle joue avec les contrastes entre stabilité et mouvement. Ses créations possèdent une force structurelle qui rappelle la fragilité de la terre. Dans chacune de ses pièces, elle cherche à capturer cette tension délicate, où douceur et solidité coexistent.
Meriel Bond crée des pièces tournées, fonctionnelles et agrémentées de détails façonnés à la main tels que des anses ou des décorations. Elle consacre beaucoup de temps à la gravure et à l’émaillage pour élaborer des motifs très uniques. Ses techniques de prédilection incluent le sgraffito, le Mishima, la réserve à la cire et le polissage. Elle travaille principalement la porcelaine et un grès moucheté qu’elle cuit à cône 6. Installée dans un petit atelier partagé à Montréal, elle réalise ses cuissons et émaillages dans un atelier communautaire local. Son travail s’inspire du design scandinave et des arts de la table modernes du milieu du XXe siècle, mêlant vintage et contemporain. Ses décors puisent dans sa nostalgie des personnes et lieux qui lui sont chers. Son objectif est de créer des collections belles, mémorables et pratiques pour la vie quotidienne.
Dans sa pratique, Michèle Lavallée exprime sa sensibilité et son amour pour la nature, trouvant un équilibre et une motivation dans la création et l'expérimentation. Toujours en quête de progression, elle a créé une collection de photophores en argile translucide, chacun légèrement différent tant par la forme que par les motifs, invitant à la réflexion et au partage. Elle réalise aussi des pièces aux formes plus organiques, décorées de motifs floraux « façon sérigraphie ». L’artisane alterne avec plaisir les techniques et les argiles : le travail au tour lui apporte une méditation apaisante, tandis que le façonnage la plonge dans une absorption totale. Quelle que soit la méthode, elle veille à ce que ses créations soient ergonomiques, esthétiques et pratiques. Pour elle, créer est un acte vital, un geste positif qui nourrit son équilibre et sa motivation, un moyen privilégié d’« être » au monde et d’apporter du beau dans sa vie et celle des autres.
Pour Nadi artiste céramiste, les promenades au bord de la mer ou en forêt apportent un sentiment de bien-être et de plénitude. À travers ses créations qui accompagnent les rituels quotidiens, elle tente de nous ramener au moment présent, comme le font la texture d'un galet ou la douceur de l'intérieur d'un coquillage. Elle communique son amour pour la nature dans sa création d’objets céramiques faits de grès naturel. Les formes sont rondes, douces, réconfortantes et incitent au toucher. Elle utilise plusieurs techniques de fabrication dont le tournage, le moulage et le façonnage.
Noémie Bombardier travaille principalement le tournage et le façonnage, puis explore le moulage par moments. Elle crée des pièces qui invitent à la détente et à la connexion avec la nature, des pièces chaleureuses et confortables que l’on a envie de prendre en main et de ressentir. Son approche vise à susciter l’intérêt à plusieurs niveaux : par la forme, par la texture et par l’aspect visuel.
Patrick Duclos allie classique et moderne, lustré et mat, jouant avec plusieurs niveaux de contrastes pour transformer une pièce utilitaire en œuvre d’art. Inspiré par des textures produites par ses outils faits maison, il rehausse ses pièces de motifs aléatoires. Après une première cuisson, il ajoute des glaçures lustrées faites à partir de matières premières. Motivé par un besoin profond de créer, il offre un choix face à la production de masse et invite les gens à se créer des rituels. Ses pièces, alliant des pratiques anciennes et des outils modernes reflétent les contrastes présents dans sa manière d'être.
Roxane Charest atelier est basé dans le quartier des Faubourgs, à Montréal et propose des pièces minimalistes et organiques. Dans un grès foncé et brut se dessine un univers introspectif, doux et serein. Collection créée en 2019 et en constante évolution, Méandres évoque la souplesse, la liberté et la lenteur. Une ligne fluide traverse ses pièces : elle dessine le contour d’une assiette, le rebord d’un bol, la lèvre d’un gobelet. Chaque pièce est tournée à la main sur le tour de potier ou encore découpée dans une plaque d'argile et façonnée entièrement à la main. Les émaux, appliqués minutieusement sur chaque pièce, créent des jeux de transparence, des variances pour révéler une profondeur dans les différentes couleurs et une signature unique pour chaque pièce.
La pratique de Roxanne Gagné (Roga) est grandement inspirée du territoire et des paysages québécois. Elle se laisse guider notamment par les textures, les couleurs et les formes qu’elle observe dans la nature. Ses pièces sont une interprétation poétique et abstraite de ces espaces qui l’habitent. Roxanne s’intéresse au hasard, à l’unicité et aux nuances que confère le médium de la céramique. Chaque pièce est empreinte de la spontanéité du geste et du mouvement. "Mon parcours en tourisme et en développement durable vient enrichir et teinter mes réflexions et mon processus de création. Le territoire et la trace sont au cœur de mes préoccupations et inspirations. Ces paysages qui m’habitent laissent une trace dans mes créations géopoétiques. Avec la simplicité et l’harmonie, je tente d’exprimer la beauté."
coa coa ceramics façonne ses pièces à la main en s’inspirant de la technique japonaise contemporaine du nerikomi et des méthodes traditionnelles de façonnage des théières chinoises Zisha Yixing. Son processus minutieux implique de calculer, colorer, mélanger, aplatir, trancher et superposer l’argile pour créer des motifs raffinés. Une galette de ces motifs est ensuite tranchée, aplatie, tapée et jointe pour lui donner la forme désirée. L’artiste s’’intéresse à transcrire son travail comme designer graphique et d’animateur dans son travail en céramique. Sess motifs graphiques sont pensés pour briser leur stabilité en suggérant un mouvement. Il les observe prendre vie en les façonnant en formes sobres. Ses motifs gagnent ainsi une dimension et deviennent des objets en eux-mêmes.
Shawna Cooper (Arcana Clay) a grandi à Toronto, où elle a étudié la gravure et la peinture à l’Ontario College of Art. Son parcours artistique a traversé de nombreux médiums, passant du papier à la toile, puis aux textiles, notamment la création de courtepointes et de vêtements imprimés pour des groupes et des festivals de musique. En 2020, la céramique s’impose à elle et devient une pratique quotidienne. Aujourd’hui installée dans un atelier collectif à Montréal, Shawna applique des principes de design à ses surfaces peintes à la main et explore diverses techniques décoratives. Fascinée par les possibilités infinies qu’offre l’argile, elle crée des pièces utilitaires qui amplifient les gestes du quotidien et transmettent une touche de légèreté et de plaisir.
Marie-Ange Samon est céramiste depuis 30 ans, utilisant une technique ancestrale qu'elle a affinée au fil du temps dans une direction contemporaine. Elle s'inspire de ses racines, de la mémoire sacrée universelle et de son amour des animaux. Son travail se fait en façonnant à partir de colombins et de plaques de porcelaine.
Véronique Allaman de Kaoline Atelier façonne une porcelaine translucide qu’elle mêle à de la faïence pour créer des paysages uniques révélés uniquement à la cuisson finale. Les motifs apparaissent alors, déclinant des tons allant du blanc pur au brun chaud, dans une transformation emplie d’aléatoire et de surprises. Ses formes simples et épurées servent de toile aux décors, tandis que les extérieurs poncés mettent en valeur la douceur naturelle des argiles utilisées. Formée au Centre de Céramique Bonsecours, elle a découvert un style libre et créatif en sculpture, qui nourrit encore aujourd’hui sa démarche. Le façonnage lui permet de travailler en douceur, laissant à chaque pièce une part de sa sensibilité. Le mariage entre la porcelaine froide et précieuse et la faïence chaleureuse illustre une poésie des contraires à travers une collection d’art de la table minimaliste et intemporelle.
Sophie Cousineau de ceramik FiSo kuzinö utilise principalement le tournage, tout en intégrant façonnage et moulage pour enrichir ses collections. Passionnée par les glaçures, elle expérimente décors et émaillages afin de créer des objets utilitaires et décoratifs mêlant durabilité et polyvalence. Son travail joue sur les contrastes visuels et tactiles, opposant émaux mats et argile nue, couleurs vives et tons naturels. Sa collection Point à la ligne s’inspire des couleurs primaires et du minimalisme géométrique, évoquant un retour à ses premières passions pour le dessin. Animée par une démarche écoresponsable, elle optimise ses ressources et valorise ses rebuts pour concevoir des pièces uniques, fonctionnelles et respectueuses de l’environnement. Sophie s’inspire aussi du Bauhaus et d’artistes comme Kandinsky pour créer un équilibre entre esthétique et fonctionnalité.
ce jardin qui m'habite
Exposition extérieure
Dans le cadre de Céramique à Way's Mills
Du 21 juin au 1er juillet 2025, de 10h à 18h
Vernissage : 20 juin 2025, de 17h à 19h
Centre d’art Rozynski
2133, chemin de Way's Mills
Barnston-Ouest (Québec) J0B 1C0
Présentée dans le cadre de l'expo-vente Céramique à Way’s Mills, l'exposition collective à ciel ouvert « ce jardin qui m'habite » prend racine derrière le Centre d’art Rozynski.
Le long des sentiers, des œuvres évoquent les cycles du vivant, la décomposition et la renaissance. Certaines se concentrent sur ce qui grouille à la surface, sur les interactions souterraines et la régénération des sols ; d’autres prolongent le paysage jusque dans la rivière. Des œuvres de cabanes et de bassins révèlent les architectures du jardin. Elles tournent notre attention vers les oiseaux qui s’y pavanent et les grenouilles qui y coassent, vers les pierres qui s’y cachent et les secrets qu’elles recèlent.
À fleur de terre, le jardin se fait monde.
Photo : Noémie Sylvestre
Photo : Noémie Sylvestre
Photo : Noémie Sylvestre
Photo : Noémie Sylvestre
Artistes
Maude Arès
Richard Ighby & Marilou Lemmens
Julie Lavoie
Annie France Leclerc
Clara Lou Micheau
Amélie Proulx
Commissaire
Noémie Fortin est originaire de Lac-Mégantic. Elle vit avec sa famille dans les Cantons-de-l’Est, sur le territoire traditionnel non-cédé de la Nation W8banaki, le Ndakina. Elle y accompagne des démarches artistiques, agricoles et communautaires axées sur les soins du vivant. Sensible aux pratiques enracinées dans la pensée écoféministe, elle concentre ses recherches sur l’art écologique qui sort des institutions pour aller à la rencontre des territoires et des communautés, avec un intérêt particulier pour les milieux ruraux.
